AVEYRON CULTURE – Mission Départementale accueille l’exposition organisée par l'association Echiquier à la Galerie Foch à Rodez.

L’exposition de photographie internationale proposée par l'association « Echiquier » rassemble le travail d’artistes étrangers mais aussi d’auteurs français ainsi que celui de photographes vivant et travaillant en Aveyron .

Bogdan Bousca, Roumanie et Alexander Miroshnikov, Russie, sont les photographes invités d'honneur. A leurs côtés, les créations des auteurs aveyronnais : Maxime Authier, Michel Baton, Marco Bentz, Joseph Bianco, Philippe Blois, Géraldine Combette, Alain Delanneau, Claude Fauré, Didier Ghaillard, Dominique Loof, Pierre Missé, Michel Plante, Kenny Ruellot, Pierre Simon et Roland Werner.

L'association Echiquier " Collectif international d'art", dont le siège social est basé à Montbazens, a pour objet de promouvoir le travail artistique de ses membres sous toutes ses formes par des expositions, colloques, ateliers et enseignements, éditions et toutes formes de communications pouvant mettre en valeur les œuvres de ses artistes. Elle peut demander à des intervenants extérieurs d’animer des ateliers, conférences et autres animations liées à l’art en général et également s’associer avec d’autres structures culturelles pour créer des événements en commun.

Exposition ouverte au public du mardi au dimanche de 14 h à 19 h. Entrée libre.

Cette exposition est présentée par l'association PHOTOfolies dans le cadre de son 31è Festival.

Pentti Sammallahti est un orfèvre du regard : son talent pour saisir l’événement minuscule, improbable et parfait, qui révèle soudain la poésie quotidienne du monde, est tout simplement époustouflant. Ainsi ce vol d’oiseaux dans le ciel de Delhi qui, se superposant à un tronc dénudé, recrée la forme de l’arbre disparu. Ou bien encore la rencontre, qu’on dirait sortie d’une fable, d’un chien et d’un corbeau sur une route enneigée de Russie. Il faut avoir, pour saisir de telles scènes, la dextérité, le savoir faire, et une forme « d’oeil absolu ». Un art de voir les choses peaufiné par des années et des années d’attention au monde, porté par la passion d’y « trouver » des images.

Dans la préface de son livre « Archipelago », Sammallahti, peu prolixe sur son travail, livre quelques phrases éclairantes sur sa photographie :

« Me trouvant sur une petite île rocheuse j’ai compris que la terre n’était pas ronde, mais un plateau couvert d’une voûte gigantesque... J’étais sous le point le plus haut du firmament, dans le point focal de la voûte, et j’ai décidé de ne pas bouger.

A ce moment, tout semblait trouver sa place, même l’homme avec ses menues occupations. C’est avec reconnaissance que j’ai compris que l’élément le plus important du travail d’un photographe n’est pas la création ni l’imagination, mais le regard et la volonté de rendre justice à ce que l’on voit. J’ai alors compris qu’on ne prenait pas les photographies, mais qu’on les recevait. »

Les photographies de Pentti Sammallahti sont de celles qui peuvent être universellement comprises, reçues, admirées. Elles ont l’évidence d’une oeuvre à la fois populaire et virtuose, pleine d’humanité et d’humour. Admiré par ses pairs (Cartier Bresson avait inclus une image de Sammallahti dans le choix de ses cent photographies préférées), il touche également le grand public, sensible aux images mais aussi à l’esprit qui se dégage d’une oeuvre généreuse.

A propos :

Né en 1950 à Helsinki (Finlande) dans une famille d’artisan (Son père était, au sens propre, orfèvre). Il est le petit fils de la photographe Hildur Larsson, d’origine suédoise.

Dès son adolescence, il commence à pratiquer avec passion la photographie et le tirage. Il rejoint le Camera Club d’Helsinki à 14 ans. Sa première exposition personnelle a lieu en 1971 et la reconnaissance de son travail se confirme très tôt puisqu’il reçoit en 1975 le prix national finlandais de photographie, qu’il obtiendra à nouveau en 1979, 1992 et 2009.

L’Institut Finlandais l’expose pour la première fois en France, en 1996, dans le cadre du Mois de la Photo. Cette exposition marque le début d’une popularité qui ne cessera de croître avec les années et les expositions qui suivent, notamment à la galerie Camera Obscura (2002, 2006, 2012, 2018), et aux rencontres d’Arles, (2005, 2012).

Exposition organisée en partenariat avec Galerie Caméra Obscura et AVEYRON CULTURE - Mission Départementale, avec le soutien du Conseil départemental de l'Aveyron et du Crédit Agricole Nord Midi-Pyrénées.

AVEYRON CULTURE – Mission Départementale accueille les artistes de l’association OzArts Citoyens à la Galerie Foch à Rodez du 8 au 29 juin 2019.

L'exposition nommée d'après sa thématique "Monochrome(s)", est un « petit » défi . En effet, les artistes ont eu pour « cahier des charges » de réaliser des œuvres autour du thème défini.

Le travail avec une seule couleur déclinée en différentes valeurs n’est pas  ce que l’on réalise tous les jours, chacun à sa manière à donc utilisé soit le bleu, soit l’orange au grès des envies. L'huile, le dessin ou l'acrylique ou même le monotype, la gravure, la sculpture, au défi de s'approprier les couleurs déterminées par les deux initiatrices du projet, Irène Fau et Dominique Coufinhal.

Près de 90 oeuvres proposées par une trentaine d'artistes sont à découvrir aux cimaises de la Galerie Foch.

Symphonie du Monochrome

“Monochrome" signifie d'une seule couleur. Dans l'histoire de l'art, il désigne traditionnellement une grisaille ou un bien un camaïeu. C'est au cours du XXème siècle que le monochrome devient un genre à part entière, au même titre que le portrait ou le paysage. Comme le ready-made, il vient révolutionner les codes esthétiques du monde de l'art ainsi que notre vision du monde. On désigne, le plus souvent, le Carré Noir de 1915, réalisé par Kasimir Malevitch, comme étant le tout premier monochrome de la peinture contemporaine.Mais alors, quel intérêt sert la réduction d'un tableau à une unique teinte? Le monochrome la pratique artistique des artistes. Il sert deux objectifs principaux : atteindre une abstraction totale et/ou réduire l'art à son aspect visuel afin de ne se focaliser que sur les éléments physiques et palpables tels que la texture, la forme ou la couleur. Malevitch considère le monochrome comme une porte vers l'infini. En effet, celui-ci est libre de toute interprétation. Barnett Newman et Mark Rothko conçoivent la toile comme un grand champ coloré qui permet d'accéder à une expérience personnelle et intérieure. Le travail de Rothko devient, pour cette raison,  de plus en plus sombre avec le temps. Il suit l'état psychologique de l'artiste qui ne cherche plus à toucher la perception du spectateur mais son âme. Il recommande d'ailleurs que ses peintures soient accrochées dans des pièces sombre pour les laisser irradier de leur profondeur.  Parmi les adeptes de ce style, Yves Klein surnommé “Yves le monochrome" va au bout de la réflexion. Bien que sa carrière artistique n'ait duré qu'une dizaine d'année, Klein est considéré comme une figure majeure de l'avant garde. Le bleu Klein, “c'est l'esprit qui voit avec les yeux". L'effet sur le spectateur est immédiat sur le mental. Elle s'imprime dans l'esprit.Le monochrome est l'une des composantes principales de l'art des années 50-60. Dans une réflexion sur la matière, les artistes tels que Robert Ryman ou encore Pierre Soulages, utilisent le monochrome sans même réellement vouloir faire du monochrome. A chaque évolution artistique, il a su s'adapter et être un outil essentiel à la redéfinition de l'art.Ainsi le travail sur la couleur ou l'absence de couleur intéresse les artistes tout au long du XXème et la réflexion évolue avec le développement d'un art toujours plus centré sur l'abstraction. Le monochrome intrigue toujours autant les artistes contemporains."

Exposition ouverte au public les lundis, mardis, jeudis et vendredis de 14 h à 18 h. Les mercredis et samedis de 10 h à 12 h et de 14 h à 18 h.

Entrée libre. Renseignement auprès d'OzArts Citoyens

AVEYRON CULTURE - Mission Départementale accueille Bruno Rigal, vivant à Villefranche-de-Rouergue, pour son exposition intitulée "La part du colibri" jusqu'au 30 mars 2019.  Près de 70 oeuvres sont présentées dans l'espace de la Galerie Foch, propriété du Conseil Départemental. Peintures, pastels, aquarelles, encres... sont autant de techniques utilisées par l'auteur qui traite le paysage, le corps, le motif... en figuration tout en approchant l'abstraction au détour de certaines oeuvres.

"Le titre de mon exposition m’est venu tout d’un coup à l’esprit comme une évidence…

Nous sommes chacun de nous peu de choses, et , nous ne réalisons une œuvre qu’avec l’aide de nos familles , nos amis, une institution , une association, le pays tout entier …
Une exposition, même aussi hétéroclite, que celle-ci, doit avoir un message à donner, qui serve nos aspirations humaines …
Aujourd’hui, bon nombre de ces tableaux  sont des messages d’amour :
Amour des fleurs et de la nature, l’esprit enchanteur des fleurs
Amour des pierres et des villages, nostalgiques et lointains
Amour  des animaux, dont nous sommes si proches,
Amour des gens, jeunes ou vieux,
Témoins d’amitiés, de complicités, de rires
Etrangers,  émigrés,

Femmes toujours émouvantes, courageuses, porteuses de nos espérances et de nos chagrins.

Chacun, chacune, un univers en soi, merveilleux, si peu que l’on se donne le plaisir, d’observer, d’écouter, vraiment, que l’on ne confonde pas les mots et les idées, que l’on essaie de comprendre l’indicible, l’invisible, l’Un…

Le non représenté, et c’est pour, cela, que pour la première fois, quelques tableaux, plus abstraits, nous invite à rêver, à chercher les symboles,  les équilibres, les rapports de lumière, la Lumière, qui nous anime tous.

Pastels secs, pastels à l’huile, crayons, stylos à billes, encres de chine, aquarelles surtout, tentent de donner vie, à cette si modeste contribution à l’art, ma Part de Colibri au service de la beauté."

Bruno Rigal

Une exposition ouverte au public du lundi au samedi de 14 h à 18 h 30. Entrée libre. Renseignements au 06 65 81 29 04.

Dix ans se sont écoulés depuis que JEAN MARC nous a quittés.
Pourtant, la force de son œuvre, le regard visionnaire dans lequel il avait pressenti son destin se dessiner, n’ont rien perdus de leur pouvoir de transmutation dans lequel ses personnages nés du fer et du feu viennent nous parler d’un ailleurs intériorisé mais qui nous est commun à tous parce que pétri d’idéal et d’amour, de courage et d’espérance, de paix, de générosité.
Même s’il a réalisé des carnets très personnels de ses voyages aux quatre coins de la planète, l’approche picturale et graphique qu’il en ramène n’est qu’une anecdote au service de sa sculpture, car son univers vibre aussi de l’intensité dramatique du tragique de la vie, comme dans l’évocation des Marquises à travers son « Jacques Brel » chantant aux portes de la mort.
Son voyage, c’est le voyage perpétuel du cœur et de l’esprit, à la rencontre des autres et du monde.
Artiste internationalement connu en son temps, il touche toujours les générations d’aujourd’hui par la portée universelle de son travail.
Si ses œuvres, qui ornent de nombreuses villes sont vues du grand public, il n'en va pas de même pour son œuvre personnelle, qui, sans fin, raconte la comédie humaine.
Alors, découvrir ses poètes impénitents, ses clowns naïfs au regard rêveur, ses bergers à la grande sagesse ou ses êtres de douce folie, c’est retrouver le forgeron conteur en même temps que le forgeron sculpteur.
C’est surtout aller à la rencontre d’un grand artiste trop vite disparu, dont la modestie l’a écartée de l’histoire de l’art, malgré la reconnaissance internationale de sa statuaire en fer forgé, et les hommages rendus tout au cours de sa vie par les observateurs les plus clairvoyants de son temps, dont Jacques Michel du Monde, ou Jacques Chancel.

Exposition ouverte au public de 15 h à 19 h. Entrée libre.

Renseignements au 06 74 06 24 16.

« A force de fréquenter les arts anciens et modernes, écrit Lucien Hervé, nous avons acquis une nouvelle faculté de nous émouvoir… ou fait naître une vague idée du tout en cernant souvent un détail minime avec peu de moyens : il suffit de deux doigts recourbés en cercle en forme d’oeil d’appareil photographique élémentaire pour isoler des rapports harmonieux de couleurs et de formes.
Ainsi l’oeil de chacun peut devenir poète. J’ai mis là mon ambition, faire redécouvrir la beauté inhérente de toutes choses, la beauté possible de l’insignifiant ».
Si Lucien Hervé a été beaucoup associé à Le Corbusier, ce serait réduire son approche photographique que d’en faire une simple photographie d’architecture : en effet, sa photographie vise moins à rendre compte de l’architecture en tant que telle qu’à proposer la relecture d’un travail sur la forme (celle donnée par l’architecte) à partir d’une grammaire visuelle propre. Et les élément essentiels de cette grammaire, pour Lucien Hervé, sont la lumière et la (re)composition géométrique. Lors de leur première rencontre, à la question de Le Corbusier « Comment êtes-vous devenu photographe ? », Lucien Hervé répondait ainsi : « avec une paire de ciseaux ». Mais dans ce travail de « découpe » du réel, il y a aussi une belle place pour l’humain : celui qui vient ajouter de la vie à la dynamique des lignes. Car « la beauté de l’insignifiant », c’est aussi celle de tous ces êtres qui viennent peupler cet univers de formes qu’est le monde.
Le photographe Lucien Hervé (de son vrai nom László Elkán) est né en Hongrie le 7 août 1910. Il arrive à Paris en 1929. Attiré d’abord par la peinture, la musique et la mode, il commence à photographier en 1938 pour Marianne Magazine. Proche de l’école humaniste française d’après guerre, dont font également partie Robert Doisneau et Willy Ronis, la carrière de Lucien Hervé prend un tournant décisif après sa rencontre avec Le Corbusier en 1949.
Photographe attitré de l’architecte jusqu’au décès de ce dernier en 1965, Lucien Hervé est alors reconnu comme l’un des plus grands photographes d’architecture.
Durant sa carrière de soixante ans il a eu de nombreuses publications et expositions dans des galeries et des musées à travers le monde. Lucien Hervé a disparu le 26 juin 2007 à Paris, dans sa 97ème année.

Stéphane Bonnal, artiste autodidacte, après des études d’histoire de l’art à Montpellier, s’exile pendant 10 ans à Stockholm où il alterne enseignement et peinture. C’est une période intense de recherches picturales, une exploration. Il commence à exposer en Suède puis de retour en France, il participe à de nombreuses expositions : au Touquet, à Montpellier, Toulouse, Albi...

Ses oeuvres peintes sur des supports inhabituels, le plus souvent récupérés, présentent un monde de couleurs où des personnages, s’imbriquent les uns dans les autres. Sauvages... civilisés.
Ce qui surprend, dans un premier temps dans la peinture de Saint.B, c’est autant l’explosion de couleurs issues d’une palette franche que le fourmillement de formes et de silhouettes fantasmagoriques soulignées avec vigueur par des cernes destinés à les capturer. Il en ressort aussi cette impression de mouvement permanent comme si la peinture s’animait au premier regard. Dans un autre temps, on tente de retrouver des références qui nous aideraient à l’appréhension et à la compréhension d’une peinture qui reste énigmatique et singulière. Le rapprochement avec d’autres peintres comme Dubuffet ou Chaissac ou même Combas par exemple n’est qu’une manière commode de retrouver des repères. Mais il y a bien d’autres réminiscences dans la peinture de Saint B. Ses études sur l’Histoire de l’Art ne sont pas sans laisser de traces, comme son intérêt pour les peintures rupestres et la sculpture contemporaine. Les titres des oeuvres éclairent d’une manière particulière le travail du peintre. Combat permanent entre le sauvage et le civilisé, entre le caractère spontané de la création et la volonté de construire ses propres règles dans un imaginaire foisonnant. Saint B nous invite à le suivre dans un récit qu’il a lui-même peine à maîtriser tant il est étrange et tourmenté. L’agitation est telle que des personnages qui habitent ses tableaux tentent d’en sortir et finissent par être arrêtés et fixés dans des protubérances de matière et de couleurs.
Cette force mystérieuse est une belle invitation à la recherche et à la découverte de l’oeuvre de Saint B, une oeuvre riche et fascinante qui ne se lasse pas de surprendre, une peinture visionnaire qui ne laisse pas indifférent et qui invite notre imaginaire.

Exposition ouverte au public du mercredi au samedi de 10 h à 19 h. Entrée libre. Renseignements au 0618855830.

« Autodidacte, j’ai commencé à peindre il y a environ 15 ans par des copies d’œuvres de grands peintres. J’ai participé à des cours au sein d’associations à Millau, Espalion et Olemps. Alors je me suis lancée dans des tableaux originaux – acrylique et aquarelle – que je crée à partir de mes propres photos.
Mes sujets préférés : les fleurs de mon balcon et les massifs de mon jardin, les arbres et les beaux paysages de l’Aveyron.
Je crois avoir hérité l’amour de la terre de mes parents, qui étaient agriculteurs à Broquiès.
Mon inspiration actuelle vient de la nature que je peux voir autour de moi et qui m’émerveille toujours. C’est un sujet pictural inépuisable. »
Françoise Reynes

Françoise Reynes est née le 22 juin 1947 à Broquiès (sud Aveyron). Après des études de lettres à Toulouse, elle a enseigné le français dans plusieurs collèges de l’Aveyron dans un premier temps, puis en Lozère. A sa retraite, elle est revenue vivre en Aveyron, « son pays ».

Exposition ouverte au public du lundi au samedi de 10 h à 11 h et de 15 h à 19 h. Renseignements au 05 65 60 32 79.

AVEYRON CULTURE - Mission Départementale, met à disposition d'Ozarts citoyens la Galerie Foch pour une exposition temporaire d'oeuvres des membres de cette association qui oeuvre pour permettre aux passionnés d'arts plastiques de faire partager leurs pratiques au plus grand nombre.

L'association, dont le siège social est à Rodez, existe depuis 2011, compte 70 membres et a pour objet de promouvoir la création artistique, notamment par :

• - l'organisation d'expositions d'oeuvres produites par ses adhérents (amateurs ou professionnels) ;
• - l'organisation et la participation à des manifestations culturelles et artistiques destinées à favoriser le développement des arts ;
• - l'organisation d'actions de sensibilisation et de formation aux techniques artistiques (cours, stages, conférences, visites....).

De nombreuses expositions sont proposées. En 2017 nous citerons, par exemple :

• - modèle vivant, rue de l'Embergue
• - croquis de musiciens, au Conservatoire de Musique
• - bicentenaire de « l'affaire Fualdès » à la Mairie de Rodez et sous les arcades Foch
• - expo « vivre-livres » à Estaing
• - « les couleurs de la nature » à la médiathèque de La Primaube
• - exposition d'Art à Lanuéjouls
• - « fête des plantes » à Pruines

Manifestations à venir :

• - vide atelier d'artistes à Luc la Primaube, 19 Novembre 2017 ;
• - marché de Noël des Artistes à la Mairie de Rodez du 9 et 10 Décembre 2017

Des activités hebdomadaires sont proposées :

• - atelier « modèle vivant » à la Maison des Associations chaque mardi
• - dessin de musiciens au Conservatoire de Musique (renseignements sur demande)

Des stages d'initiation  et perfectionnement aux techniques sont régulièrement proposés.

En 2017 nous citerons : Aquarelle, Portrait, Lâcher-prise et Abstraction, Terre et Modelage.

L’exposition « Entre 30 et 80 »

Présentée du 4 au 19 novembre 2017

Cette exposition, baptisée« entre 30 et 80 » (clin d'oeil aux formats des œuvres présentées) souhaite donner une image représentative de la  production des artistes de OZARTS-CITOYENS.

Les réalisations offertes à vos regards utilisent des techniques variées allant de la classique huile jusqu'au dessin, en passant par le monotype, l'acrylique, la gravure, la sculpture...

Située au centre de Laissac depuis 6 ans, la Z.A.C.-Zone d’Activités Créatives, est un atelier qui regroupe plusieurs activités récréatives et artistiques : la peinture et le dessin, la photo et la vidéo, les loisirs créatifs, la décoration et l’art floral, la BD et le ciné, pour découvrir en s’amusant le monde de la création et de la culture... C’est un espace ouvert à tous ceux qui souhaitent explorer les techniques de création pour développer une expression personnelle et originale, ou tout simplement partager un moment de convivialité autour de passions et de pratiques communes.

Fondé en 2011 par Sébastien Boscus, illustrateur et plasticien formé aux arts appliqués à l'école Duperré et aux arts plastiques à l'université St Charles Paris1, et Paul Valery à Montpellier, celui-ci met à disposition tout son savoir-faire et son expérience pour redessiner les loisirs artistiques et créatifs dans la bonne humeur et la proximité. Il fait sienne la phrase de Claude Roy : "Avec l'amour, l'amitié et la fraternité d'action, l'art est le plus court chemin d'un homme à un autre."

Cette exposition est une occasion donnée aux élèves de l’atelier de présenter leur travail au sein de la Galerie Foch et ce pour la première fois.

Exposition ouverte au public du mardi au samedi de 14h à 17h. Entrée libre. Renseignements au 05 65 42 39 61.

« Entièrement autodidacte, j'ai toujours évolué dans le domaine artistique sous diverses formes. Après avoir dessiné, sculpté, gravé, c'est dans la peinture que j'ai trouvé mon équilibre et plus précisément dans la peinture abstraite.

J'affectionne particulièrement cet Art par son côté subjectif où chacun peut se projeter de façon plus ou moins consciente. Et c'est pour respecter ce phénomène que je ne donne jamais de titre à mes toiles.

Je travaille l'acrylique et les matières naturelles via des techniques personnelles acquises au fil du temps, qui me permettent l'obtention de certaines teintes et reliefs. Je fais cependant priorité aux contrastes, que ce soit dans les mouvements ou les couleurs afin que toutes empreintes puissent s'exprimer en tant que telle … toutes choses existants par opposition à son contraire.

J'y incorpore assez régulièrement des écritures inventées, inspirées principalement de civilisations asiatiques desquelles je me sens philosophiquement proche. On peut aussi retrouver dans mon travail la notion de temps, représentée de manière plus ou moins concrète, qui est aussi pour moi un concept abstrait et subjectif, à l'image de ma conception artistique.

Le but de mon oeuvre étant, dans l'absolu, de créer une parenthèse temporelle où chacun puisse s'évader.

J'essaie, via ces éléments calligraphiques et temporels de faire émerger, de manière certes utopique, des cultures perdues ou oubliées. D'ailleurs, lors d'un partage artistique, une personne ayant découvert mon travail m'a qualifié d '« archéologue de l'âme « et j'aime particulièrement retenir cette définition qui, en toute modestie, représente assez bien ma démarche.

L'abstrait que je travaille est donc un aboutissement personnel d'un travail de recherche, en perpétuel mouvement. »

Ludovic Eche

Exposition ouverte au public du 8 au 22 juillet 2017 tous les jours de 14h à 18h, fermée le dimanche.

Verlezarts une fois de plus a choisi le cadre agréable de la galerie Foch à Rodez pour exposer les œuvres réalisées par les élèves de l’association.

Fidèle à son but initial, Verlezarts a toujours pour but d’initier aux arts plastiques ses adhérents ; artistes amateurs où professionnels, qu’ils soient adultes ou adolescents.

Accueilli par la municipalité d’Olemps dans la salle de La Mouline, Verlezarts a depuis pris un rapide essor.

Dans les cours les adhérents pratiquent l’huile, l’acrylique, l’aquarelle, le pastel, la sanguine et se perfectionnent par des stages indispensables pour approfondir les techniques de base (perspective, maitrise des mélanges couleurs mise en place d’un dessin etc... (afin de pouvoir transmettre ce que l’on ressent et non ce que l’on voit).

Partager : c’est dans cet esprit que les Verlezarts et son animatrice  ont préparé  cette exposition, selon l’adage « bien faire et le faire savoir » et aussi pour récompenser les élèves et leur ego.

Quelques 50 toiles : huiles, aquarelles, pastel mine de plomb seront accrochées aux cimaises de la galerie afin de rejoindre les amateurs de diversités artistiques. Le tout présenté aux visiteurs dans un équilibre harmonieux.

On reconnaît là tout un panel de genres et de techniques qui font comprendre que Verlezarts n’est pas une école dans le sens d’un enseignement uniforme, mais bien un lieu où l’on peut apprendre à s’épanouir individuellement et collectivement dans ses aspirations profondes. Il y a là matière à satisfaire tous les vétérans qui ont écrit à un moment une page de l’histoire de Verlezarts.

La grande majorité des adhérents viennent d’Olemps et du Grand Rodez.

Vers les Arts ou Verlezarts, tout un programme. 

Roseline Marquis, peintre

Animatrice de l'atelier peinture de l'association Verlezarts.

Exposition ouverte au public du lundi au vendredi, de 13h30 à 18h30,  les samedis de 10h30 à 18h30. Entrée libre.

En savoir plus sur l'association Verlezarts.

Patrick LAROCHE : peintures, dessins, monotypes

Patrick Laroche « un autre  fou de dessin »

Le peintre japonais Hokusaï se surnommait lui-même le « Fou de dessin ». A l’âge de 70 ans, ce grand maitre exprimait son plaisir à sentir un commencement de maîtrise du dessin…  Pour ceux qui ont pratiqué cet art on peut comprendre le besoin d’aller plus loin, d’être toujours plus juste.

C’est ce  désir de justesse qui anime Patrick Laroche dans les dessins, peintures et monotypes.

Diplômé des Beaux-arts de Toulouse, Patrick Laroche a obtenu le grand prix de dessin de cette ville.

Peu après, Il part d’abord au Japon, où il a travaillé 12 ans comme artiste-illustrateur indépendant, puis il passe ensuite 10 autres années entre New York et Londres… Autant d’apprentissages et d’enrichissements qui au fil des années et des expériences ont  enrichi son vocabulaire graphique avec une recherche permanente : un point d’équilibre entre modernité et tradition, entre savoir-faire lié à la pratique et le sentiment de spontanéité et d’émerveillement d’un trait.

C’est grâce au nu qu’il a  appris à dessiner à l’école des Beaux-arts et sa fascination pour le corps humain est toujours restée intacte. « Etre profondément dans l’instant » c’est l’école de l’observation. C’est pour lui  une pratique quasi quotidienne avec toujours cette même charge d’émotion.

L’autre travail engagé depuis de nombreuses années concerne la représentation d’animaux souvent proches de nous : vaches, ânes, chèvres, chats ou encore des poules.

Installé depuis 2005 sur les Causses du Lot, aux limites de l’Aveyron, il enseigne le dessin avec modèle vivant et expose ses œuvres régulièrement.

Cette exposition de tableaux, de carnets de voyage et du livre rassemblant tous ces visuels ainsi que le texte écrit sur place retrace mes émotions et mes rencontres au sein de cette fantastique vallée.

Bien que très éloignés c’est Zanzibar qui m’a amené jusqu’à Katmandou ; j’étais partie dans mon île préférée pour y rencontrer le mélange des peuples ; et bien sûr il y avait les africains, les arabes, mais aussi les indiens. Je suis donc partie en 2012 en Inde et j’ai pensé qu’une escapade au Népal serai bienvenue après ! Je pensais y inspirer un grand bol d’air, avec vue sur les Annapurna. Naïvement, je voyais Katmandou comme un grand village, encore parfois habité des quelques derniers hippies survivants…On ne passe pas à Katmandou. Katmandou, c’est le but, en tout cas ce fut le mien.

En moins de deux heures, déjà conquise, j’étais reliée à ce pays. Katmandou, la polluée, la bouillonnante et magnifique ville aux innombrables temples, témoin d’une époque révolue fut un choc, je fus également prise de passion pour Bhaktapur, Patan, et tous les villages de la vallée…

Début avril 2015. Me voici de retour. Les dieux seront-il avec moi ? Chaque voyage est différent, même si l’on retourne au même endroit…

Dans quelques jours nous serons, selon le calendrier népalais en 2072 !

25 Avril 2015.

A l’instant où je termine mon texte sur la vallée de Katmandou, j’apprends le cœur serré, la terrible nouvelle du séisme qui a ravagé « Ma mythique Katmandou » où j’étais encore il y a seulement quelques jours et qui ne sera plus jamais la même…

« Autour du portrait »

La petite école d'art | Du 10 au 24 septembre 2016

La petite école d’art a été crée sur Rodez en septembre 2008.

Au départ Mathieu Rouquié, maître des lieux, a commencé avec 2 élèves et quelques années plus tard…par la meilleure publicité qui est le bouche à oreille…il compte à ce jour prés de 100 élèves.

La politique de Mathieu Rouquié est simple « on peut tous apprendre à dessiner ». Pour cela, c’est par petits groupes qu’il enseigne différentes techniques bien précises dans l’univers du dessin, de la peinture à l’huile, l’aquarelle, l’acrylique sans oublier le pastel !

Cette exposition reflète le travail de tous ces élèves.

Le thème « AUTOUR DU PORTRAIT» permet d’admirer le travail précis de chaque élève de La petite école d'art.

Le niveau de chaque toile présente dans cette exposition est à la hauteur du travail et de l’implication aussi bien des élèves que de leur maître Mathieu Rouquié.